秘密の森のその向こう(Petit Maman)

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ストーリー:ネリーは8歳の女の子。おばあちゃんが亡くなり、母マリオンと父と3人で遺品を片付けに森の中の祖母の家へ行く。母にとっては子供の頃の思い出の家。悲しみのせいかふっといなくなってしまう。1人で遊ぶネリーが森を散歩していると丸太で作った秘密基地めいたものがある。そこには自分と同じ年の女の子、マリオンがいた。誘われて彼女の家へ遊びにいくとそこは祖母の家とまったく同じで....

『燃える女の肖像』の監督、セリーヌ・シアマの新作。72分と短く、お話も映像世界もとてもささやかな一作だ。監督は子供たちも大事な観客として制作していて、とはいえ監督の立ち位置的にも子供自身が「これ見たい!」というような映画じゃないから、その親にもきちんと届くように作ったといっている。

シアマが子供をターゲットに描いた物語は前にもある。『僕の名前はズッキーニ』だ。脚本として参加している。物語の出だし、主人公が孤児になってしまうエピソードは原作からアレンジして柔らかくし、後に続くしんみりしたストーリーに繋げやすくしていたそうだ。たぶんだけど、彼女が松本大洋『Sunny』を読んだらけっこう刺さるんじゃないだろうか。

なぜかというと、監督は、子供と親とに届く映画として『となりのトトロ』『おおかみこどもの雨と雪』をお手本として挙げているからだ。これはプロモーションとして日本国内でだけ強調しているわけでもなさそうだ。『トトロ』はまさにお父さんと娘の話だし、寂しい娘が狭山丘陵の里山とふれあうわけで、すごく親近性がある。そのほかに『私ときどきレッサーパンダ』や『ミッチェル家とマシンの反乱』とかを挙げている。

お話はネタバレ回避といいたいところだけど、公式予告編で堂々と語っているしな。森で出会ったマリオンは過去の母だったのだ。つまりそこはネタバレじゃなく、お話の枠組みだということ。タイムスリップ的とも言えるけれど、SF的な設定は監督にとって大事な部分じゃない。しかもネリーはすぐにそのことが分かる。物語は8歳の女の子が、お母さんを「母」という絶対的な依存の対象じゃなく、自分と同じ目線をもつ他者として見る、というあらたな関係性を描くのだ。

じっさいは、子供が親をそんな視線で見られるのは十分に成熟してから....いやけっこう歳をとっても、頭では理解できても感覚的にはなかなかそうは見られないというのは全然普通ですよね。フィクショナルな部分があるとすれば、8歳という年齢を超越した精神的成熟ぶりだろう。監督は子供を必要以上に幼く無邪気な愛玩の対象として描くつもりは全くない。ネリーもマリオンも悟ったような淡々とした表情で通すし、ちょっと不自然なくらい大人びたセリフを語らせる。双子が扮しているネリーとマリオンは、たぶん一瞬映ってるみたいに素ではもっときゃっきゃした普通の子供なんじゃないか。

お話の序盤で、お母さんが運転する車の後部座席に座るネリーはもらったお菓子を「はい」という感じで運転しているお母さんに食べさせる。ドリンクも飲ませる。そして運転の邪魔にならない程度に後ろから軽く抱擁するのだ。それは親を喪った母を癒やし、いたわる振る舞いだ。そこですでに母娘の逆転した関係が予告されている。そんな描きかたや、2人を双子に演じさせたことで物語は設定以上に夢幻的な雰囲気になる。

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本作はけっこう色濃く監督自身が投影されている。物語の舞台は深い森のようだけど、実はパリの都心から車で1時間もかからない(30kmちょっと)ニュータウン、Cergy-Pontise。原生林じゃなく、多摩とか横浜・川崎のニュータウンにある雑木林のさらに小さいやつみたいな感じなのだ。監督自身が育った場所で、そこは子供たちが安心して駆け回れるように車道から分離された街になっていた。迷う心配もない近所の林だったんだろう。

物語の象徴的な場面で、2人の女の子がボートで漕ぎ出す池がある。中心にピラミッド型のモニュメントがあって周りに人もいない、どことなく神秘的な場面だ。それが下の場所。パリを流れるセーヌ河の過去の蛇行のあとが残り、川沿いの低湿地が今は湖になっている。監督の投影というところでは、子供たちの衣装も監督自身がコーディネイトしているし、おばあさんの家にあったお母さんの子供の頃のノートは監督のものだ。途中で女の子2人がコスプレして(アニメキャラじゃなくね)ドラマの1シーンを再現して遊ぶ。これも監督が子供の頃姉妹たちとじっさいにやっていたそうだ。

 

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コロンバス

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ストーリー:アメリカ生まれの韓国人ジン(ジョン・チョー) は突然昏睡状態になった父の見舞いにソウルからコロンバスにやってきた。父は建築の研究者だった。コロンバスは近現代の名建築が街の至る所にある。そんな建築を愛するケイシー(ヘイリー・ルー・リチャードソン)と知り合いになったジンは彼女のお気に入りの建物を見に行く...

というわけで、『アフター・ヤン』公開に合わせてだろう、監督コゴナダの長編第1作が配信系で無料公開されてたのですばやく見た。生き方に迷い中の建築好き女子とおじさんの交流。『名建築で昼食を』みたいだ。じっさい、建物は美しく撮られ、2人の距離は淡々としたまま、外形は少し似ている。

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なにかと小津が引き合いに出されるコゴナダだけど、本作は『アフター・ヤン』と比べてもよりストレートに小津らしさが見える。まず撮り方がわかりやすいオマージュだ。コゴナダ自身がビデオエッセイにまとめてる小津の特徴的なカット、パースが効いた細い通路の向こうを通行人が横切るカットは色んなところで繰り返される。それにカラー化以後の小津作品でお馴染みの赤い小物をアクセントカラーに使うのもあちこちのシーンで見られる。

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建築物を歪みのないレンズで切り取ってシーンの間にインサートするのも小津映画のお約束。本作は建築物がモチーフだからカメラをあまり動かさずにベストの構図でじっくり撮る。水平・垂直ラインにまったく歪みがない、建築写真めいたビシッとした絵で徹底されている。だいたいいつも薄曇りで光のコントラストも弱く、建築のテクスチャーが邪魔されずに見られる。おなじ建物のおなじカットを何度か繰り返してインサートし、ループ感というか不思議なリズムを作る。

そして物語自体が小津作品めいている。初老の父と、なかなか結婚しようとしない娘、娘のことを思って嫁がせようと背中を押しつつも無事に娘が家を出るとこの上なく寂しそうな父の姿...という定型、本作は父と娘じゃないけれど、自分を犠牲にして家に、生まれた街に縛られ続けようとするケイシーを、年上のジンがなんとか旅立たせようとする。結果的に家族が解体していく(離散していく)話なのもまあ共通と言えば小津映画のモチーフと共通だ。

もちろんパスティーシュじゃないから映画全体の印象は違う。ジンは父に、ケイシーは母に、それぞれに傷つけられてきたし、しこりになっている。淡々としているようで意外にエモーショナルな話なのだ。ケイシーの家は低所得者地区にあることが明らかで、母は薬物中毒あがりで単純労働くらいしか働き口がない。だから建築好きで本好きなケイシーはアカデミックな世界に遠い憧れだけあって踏み込むことを恐れている、そんなプアホワイトの切実さもけっこうストレートに描いている。

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主演の2人、ジョン・チョー笠智衆っぽさはなくて、シュッとした体型のおかげで、アジア系がしばしば陥ったステレオタイプと少し違ったたたずまいだ。ヘイリー・ルー・リチャードソンは『スウィート17モンスター』で主人公のお兄さんとできてしまうクラスメイト役。ずんぐりした庶民的な外見でありつつ、滋味溢れるなんともいい顔つきだ。

コロンバス。未踏の地だ。オハイオ州都のコロンバスは大都市だけどインディアナ州の本市は人口44,000人、ランニングで一週できてしまいそうな小さな街。愛知県のみよし市姉妹都市だ。建築が楽しめる街としてそもそも有名で、市ウェブサイトの建築ツアー紹介に出てくる有名どころを映画の2人も次々巡っていく。そういう意味ではハイブローすぎない、割と分かりやすい建築映画なのかもしれない。完璧なロケーションリストが市公式で出ている。

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アフター・ヤン

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ストーリー:ジェイク(コリン・ファレル)と妻のカイラ、養女のミカの家族には、ミカの「お兄ちゃん」としてアンドロイドのヤンが一緒に生活していた。そのヤンが突然故障して機能停止してしまう。落ち込むミカ。ジェイクは修理しようと駆け回る。やがてヤンの体内には過去の記憶=映像アーカイブが保存されていたことが分かる。それを見はじめたジェイクは.....

2021年公開。制作・配給はA24だ。監督は劇場用長編2作目のコゴナダ。この不思議なひびきの名は、アメリカ在住の韓国人監督の別名だ。しかも野田高梧という小津安二郎作品でお馴染みの脚本家の名前のもじりなのだ。正直ぼくも知らなかった。前作の『コロンバス』も面白そうだけど未見。コゴナダは映画研究家的な人で、過去の色んな映画作家の作風を切り取ったビデオエッセイという映像作品を発表していた(ウェブサイト)。

本作を見ると、彼がビデオエッセイで取り上げているいろんな監督の作風がそこここにあるのにすぐ気がつくだろう。小津の名前がすぐ出てくるけれど、ウェス・アンダーソンキューブリック的な画面も。サウンドはアロノフスキー編を見ると「これだったの?」と思ってしまう。なるほどそんな衒学的な作り手の作品だなと思う。

そう、本作はスペクタクルはもちろん、スリリングな展開もトリッキーな脚本もエモーショナルな演技もなくて、「映画的滋味」とでも言いたくなるようなものを味わいにいく映画だ。主人公ジェイクはお茶を仕事にしている。酒じゃなくコーヒーですらなく、まさにお茶を味わうような映画なのは確かだ。おばあちゃんが淹れるほうじ茶というよりは凍頂烏龍茶のような洗練されたやつだ。

ジャンルとしてはSFだけれど、未来的ガジェットはまったく出てこない。こういう撮り方は昔からある。『ガタカ』の感じだよね。未来都市風景はちらっと背景に写すくらいで、家族が住んでいるのはミッドセンチュリーの住宅、アイクラー・ホームズの1つだし、服はオーガニックな自然素材もの、ジェイクたちがヤンの記憶ファイルにアクセスするのはどう見てもただのサングラスにしか見えないデバイスだ。

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物語は、AIと人間が同居する世界での「親密さ」とか「心のつながり」みたいなものを静かに掘り下げていて、そこには現代性がある。

当ブログだと『ブレードランナー2049』『エクス・マキナ』『her』『ゼロの未来』....この辺りと本作の違いは、設定のシンプルさにある。本作のアンドロイド(テクノと呼ばれる)はスタンドアローンタイプなのだ。AIといっても、背後にネットワークが広がっていて、目の前にいる彼・彼女は端末そのものだったり端末で経験する何かにすぎない、というような世界観じゃない。ヤンは人間とおなじ、経験して学習する個だ。物語の感触で言うと、人造人間ものの『空気人形』に少し通じるものも感じる。

あと、漫画作品を思い出した。島田虎之助『ロボ・サピエンス前史』、それに森泉岳士『セリー』。とくに『セリー』は、アンドロイドの記憶と、それがもたらす人間への思いを抑え目に描いていて、本作に近い何かを感じる。だけどこの2作と本作はある部分が逆だ。何かというと、2作ともアンドロイドの不死性が大きなテーマになっているからだ。どちらも故障はするけれど何百年、何千年の単位で時代を超えていくことができる(ボディーは誰かが交換してくれる)。被創造物だった彼らが、やがて神のように人間の生まれては消えていくうつろいを見つめるようになるのだ。

だけど誰かが書いていた。人間以上の寿命がある機械はそんなにない。まして精密機器ならなおさらだ。本作はまさにその事態を描いている。人間がアンドロイドの喪失を経験するのだ。ヤンがどのくらい古いかは実はわかっていない。ジェイクは中古品を買ったし、正規品じゃないから履歴も分からない。タイプとしては古くて、だから幼女のお兄さんで青年風だけどヤンは老執事めいた存在でもある。いずれにしても、本作のアンドロイドもうつろう存在なのだ。だからその記憶は美しい。不死の機械の記憶はアーカイヴになる(『セリー』の美しさはアーカイヴの筈の記憶が....というところにある)。

映像は静かな郊外にあるオープンな間取りの住宅をしっとりと美しく見せる。空間を大事にする監督らしく、どの映像も登場人物をダイレクトに写すことは少なくて、必ず空間の中にいることが意識される、奥行きがある見せ方だ。ただ、音声は映像と違ってアンビエントを感じさせない。最近、特に静か目の映画でASMR的な音の拾い方が増えたんだろうか?繊細な音も増幅して割とはっきりと聴かせる。そこだけはぼくには少し過剰だった。

 

 

 


列車アクション2本 ブレット・トレイン & スノーピアサー

■ブレット・トレイン

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ストーリー:レディバグ(ブラッド・ピット)は裏社会の何でも屋。京都行きの新幹線に乗車した。スーツケースを盗んで次の駅で降りるだけの簡単なお仕事だ。スーツケースはすぐに見つかった。ところが降りようとした彼の前に不運にもメキシカンの殺し屋が現れる。降り損ねたレディバグの不運は続き、殺し屋だらけの新幹線で西へと爆進する....

原作は伊坂幸太郎の『マリアビートル』。日本が舞台で全員日本人の物語をアレンジしてほぼ欧米人キャストにした。昨今は批判のネタになるけど、正直そこはあまり気にならなかった。原作自体、何か強いメッセージを持ったものじゃない。入り組んだ敵味方と、アクションと、戯画化された登場人物と、味付けとして入る衒学的な長セリフ…..タランティーノフォロワーの文学化そのものだ。面白さはゲーム的な展開の方で、日本の思想と欧米文明を並立させて描いた遠藤周作の原作をマーチン・スコセッシが映像化する『沈黙』とかとは違うのだ。

原作では、主人公〈レディバグ〉は狂言回し感もあり、最終的に印象強いのは映画でいう〈エルダー〉と〈プリンス〉だ。入り組んだ敵味方も若干苦し紛れの配置がある。ラストはさらっと終わる。映画では殺し屋たちの動機や理由をラスボス的人物に集約させて物語の軸を通し、クライマックスをベタな頂上対決に変えた。謎解き的な部分はむしろ原作より物語の構造がはっきりしたとも言える。

久しぶりにコメディに出演したブラピは、自分の依存症セラピー歴もネタにした不運キャラ。終始眉毛を八の字型に下げつつスタントなしで格闘アクションをこなす。他の殺し屋たちも記号的な衣装を着て、アニメのキャラクターデザインのようだ。人格を必要以上に掘り下げないで、誰もキャラクター設定どおりの振る舞いから外れることはない。

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エンタメとして見れば、主要キャストはそれぞれ絵力があって魅力的で、車内デザインも街の風景もリアルより華やかで、アクションもバリエーションがあって楽しめた。日本描写は同じチームの『KATE』の延長。ネオンぽい光がアクセントに入る画面はいつもの87elevenらしい。ラスボスはクレジット無しだが『シェイプ・オブ・ウォーター』や『ノクターナル・アニマルズ』でもお馴染みの恐めの顔を生かしている。ただし漫画っぽさは主要キャラクターの中でもさらに高い。

殺し屋コンビ〈レモン〉と〈タンジェリン〉の機関車トーマスネタはもちろん原作からの持ち越し。思うにアメリカの子供にとってはトーマスはあんまり馴染みがないから、無理やりイギリス生まれ設定にしたのかもしれない。だからかアメリカ人が演じる〈レモン〉のイギリス風アクセントはイギリス人からするとかなりきついみたいだ。役者さんすごく雰囲気いいけどね。

ちょっとげんなりしたのはクライマックスのアレだ。列車アクションのクライマックスといえば確かにアレになる。『スノーピアサー』と同じだ。乗り物系映画は、一方向に爆進する乗り物がストーリーに強い枠をはめるから、何かの方法で最終的にベクトルを変えないと物語が気持ち良く完結しない。それはわかる。でも本作のアレは例によってCG味丸出しで、しかもシーンに合うように周囲の環境を作ってしまっているから嘘くささも急上昇だ。本来このシーンは重量感こそ肝だと思うんだが、あらゆる意味で軽いのだ。

そんなわけで、車内のあれこれは楽しめたが、列車周りの設定とか風景とかをもう少しリアル方向に寄せたほうが(「さすがにこれはないわー」とならない程度に)、スリリングで締りが出たんじゃないかな。

 

 


 

■スノーピアサー

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ストーリー:温暖化対策で散布された物質のせいで世界中が凍結し、生物は死に絶えた。唯一生き残ったのは永久機関の動力を持ち世界中を回り続ける巨大列車とその乗客だ。列車の前方には優雅に暮らす階級たちがいる。最後部には貧民たちが押し込められている。反乱の準備をしていた貧民グループのカーティス(クリス・エヴァンス)たちはついに決起、じりじりと前方に進軍する…..

2014年公開、ポン・ジュノ監督。列車アクションつながりで見た。こちらはBD(フレンチコミック)原作。世界観の作り込みでは本作のほうが圧倒的に力が入っている。まがりなりにもSFだからね。列車は閉鎖系( 外部からの出入りのない)エコシステムで、水だけは周囲に嫌というほどある雪や氷から得ていて、その他のエネルギーは内部で永遠に取り込めるようになっているらしい….けれど映画では特に説明はない。

地球=世界のアナロジーに見えるし、そういう解釈や考察がいくらでもある。豊かな人々(先進国)と貧民(発展途上国)と。でも貧民は収奪されているわけでもない。何か労働をしているのかいないのか、食料は(途中で正体がわかるけれど)無償で提供されている。上層階級は豪華クルーズの客と一緒で、サービススタッフに全てしてもらっている感じで、「社会」がそこにあるように見えないのだ。

それよりは限定された世界を自分の思想のままに統御したい(神になりたい)誰かの姿と、その中であがく主人公を描くタイプに近い。『トゥルーマン・ショー』(本作でも出てるエド・ハリスが同じような役だ)や『ダーク・シティー』的なね。

鉄道アクション味はそれほどない。軌道幅もだいぶ広そうで車内の狭い感じがあまりしないし、ノンストップの列車で外との関係が希薄だ。あと鉄道システムって、列車と線路とどちらも機能して初めて動く両輪みたいなものだと思うんだけど、この物語に「保線」の概念はない。要するに僕たちの鉄道体験・知識にシンクロする部分があまりないのだ。

全般に、ダークファンタジーとしては楽しめた。はっとするアイディアもある。時代のせいか予算のせいかCGクオリティが今ひとつで、列車の重量感やインフラ的存在感が弱いのが少々つらかった。Netflix版のドラマはどんな感じなんだろう。

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聴覚をめぐる2本 CODA  & サウンド・オブ・メタル

■CODA あいのうた

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ストーリー:ルビー(エミリア・ジョーンズ)はボストン近郊に住む漁師の娘。両親と兄がろう者で彼女だけが聞こえるCODAだ。漁を手伝い、通訳をし、家族を助けてきた彼女。高校の合唱部に入部したルビーは意外な才能を先生に見出される。歌う喜びに目覚め、音楽を目指したい彼女だけれど、苦しくなってくる家業を支えなければ、という板挟みのなかで.....

メジャーな映画でも「作られ、公開されることに意義がある」タイプの作品ってある。社会の公平性を訴えたり、声をあげられない人たちの声を広く届けたり、見えにくい問題を白日の元にさらしたり。本作はCODA=ろう者の家族の中で聴力がある子供が題材。本作がなければこの言葉知らなかったし、そういう映画群の1つかと思っていた。もちろん意義も効果もあったと思う。でも見た人ならわかる通り、本作は「笑って泣ける」王道娯楽家族映画そのものだ。

本作はどっちかというと、広く楽しんで感動できるストーリーのモチーフとしてCODAを取り上げる(つもりでリメイクした)方だろう。ただし、今こうあるべき作り方を最大限誠実にやり切って、題材を安易に感動のネタにせず、「作られる意義」もちゃんと持たせることに成功していると思う。キャスティングも、制作準備も、描き方もね。

CODAである主人公の悩みやコンプレックス、好きな家族でも時々うんざりしてしまうあれこれは、知らないぼくたちも見落とさないように丁寧に伝えられるし、ASLという手話言語の表現力が、喋れる彼女にとっても大事なものなんだ、というすごくいいシーンがいくつかある。実在のCODAの人たちの感想も、目につく限りでは割とポジティブだ。

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(c) vendome pictures LIC, Pathe films and appleTV+ via apple.com

ただ、聞こえない人はどう感じるのかな、とは思った。音楽のすばらしさ、音楽と出会うよろこびは本作の大きなテーマの1つ。『シング・ストリート』や『音楽』と同質だ。初々しい高校生デュエット、主人公が初めて歌を人に聞かせた時の満たされる気持ち、それにもちろんクライマックス。この素敵なシーンはサウンド込みだ。BGM使いも。彼女の日常描写にThe ClashI fought the lawが重なるところでいやにじーんとしてしまった。

聴覚に難があっても、音楽が全く楽しめないとは限らないらしい。程度があるんだろうと思う。本作のろう者の家族たちは音楽自体わからない。ヒップホップの重低音を感じられるくらい。全体すごくいい話なんだけど、嫌な言い方をすれば「こんなにも多くの人たちが心を震わせている素敵なものを知らない人たちがいました。でも娘の勇気のおかげで知ることができたのです」的な恵みの話にも取れてしまう.....ま、もちろん大きなテーマは、夢を持って家族から自立していく子供のお話だし、そこは聴覚関係なく普遍なんだけどね。『ハーフ・オブ・イット』とか『レディーバード』に近いものを感じる。

物語の舞台はボストンから60kmくらいのGloucesterRockportといった美しい海沿いの街。娘が夢見るバークリー音楽大学までは車で1時間くらいで行ける。東北部だけあって、夏のシーンでもどことなく涼しげだ。日本で言えば仙台の大学に通う娘を送り出す、石巻の家族くらいの距離感だ。

 

 


サウンド・オブ・メタル

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ストーリー:メタルのバンドのドラマー、ルーベン(リズ・アーメッド)はパートナーのルー(オリヴィア・クック)とバスで暮らしながらノマド生活を送っていた。ある日ルーベンは急速に聴覚を失い始める。バンドは続けられなくなり、自暴自棄だった彼はろう者のコミュニティで暮らすことになる。たった1つの希望は聴覚を取り戻すインプラント手術があることだった....

『CODA』に比べると本作は聴覚障害にフォーカスして、観客に「聴覚障害」と言われるものがどんなことなのか体験させる、という明確なテーマがある。ドラマはとてもシンプルだ。聞こえていた人が聴覚を失って、やがてそんな自分と生き始める、激変の瞬間だけを描く。そういう意味ではコンセプチュアルでソリッドな映画だ。

『CODA』みたいな心地よさはない。主人公は聴覚をなくすことで、音楽も、パートナーも、自分を守ってくれていた大事なものも失う。喪失の物語だ。細かい部分を忘れてしまったけれど、家族の姿もないのだ。

かわりに彼を受け入れるのがキリスト教系慈善団体の、ろう者コミュニティだ。子供も大人も共同生活を送る。食事も寝るところも用意される。彼が自分ができることでコミュニティに貢献できれば、穏やかな笑顔に包まれる。その代わりスマフォもPCも、外部との連絡は基本奪われる。このコミュニティは聴覚がない人を外部の社会にアダプトさせようとしていない。アーミッシュじゃないけど、一種の文化集団として外部から隔絶した穏やかな世界の中で生きるのだ。

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本作はサウンドデザインで勝負している映画で、聴覚障害の擬似体験は『CODA』の無音みたいなシンプルなものじゃない。聞こえにくくなるところから、ろう者となって、人工内耳を付けた時の聞こえ方まで、音響効果のニコラス・ベッカーによって、シーンごとにサウンドをつくっている。それが観客にとって主人公の感情を共有する最大のキーなのだ。主人公が隔絶されずに社会にアダプトしようとする時に聞かなければならないサウンド。説明しなくてもその困難さがストレートに入ってくる。

どうでもいい話として、パートナーのお父さん役はフランスの名優マチュー・アマルリック(『フレンチ・ディスパッチ』『毛皮のヴィーナス』etc.)で、彼の都合なのか、お父さんが出てくるシーンだけベルギーで撮影している。ストーリー的にはアメリカの街のはずなのに、どう見てもヨーロッパの街並みなのが味わい深い。

 

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